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Reprodução permitida desde que citada a fonte; proibido uso comercial.

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O estilo varejo: Muito comum em cidades do interior

Quando se trata de design gráfico no interior, é algo que deve ser meramente minimizado e consolidado a duas palavras: “deseinho” e “marquinha”. Basicamente é esquecer termos como branding, grids, folders, entre outros…

O fato é que: Ser designer gráfico não é apenas sentar diante de um computador e acreditar que tudo se limita ali, naquela tela. O computador é apenas uma ferramenta de trabalho e não o começo-meio-fim. O design é uma explosão de criatividade, envolvendo chamadas, noções, padrões e inspirações. Na visão do cliente é “aquele selo de cinco minutinhos, dois pauzinhos tá feito!”. E o x da questão é: Como adquirir esses dois pauzinhos? Que tipo de pauzinhos é o mais adequado para a elaboração do “selo de cinco minutos”?

No geral, as pessoas confundem o que diferencia o desenho feito no computador e o que de fato ele reflete. O cliente pede ao designer um deseinho, uma marquinha… É comum o cliente pedir para desenhar seu logotipo, mas a forma como se pede lhe parece apenas um simples desenho, um selo sem personalidade, sem qualquer semântica. Já parou para pensar a importância desse desenho? Imagine que esse desenho será carregado nas costas da empresa por longas datas, será bordada na camisa dos funcionários, impressa nos cartões de visita entre demais outros veículos de comunicação…

Esse é um exemplo digno de que, o aparente “fácil” pode não ser algo tão fácil assim. Na visão do cliente, oras, basta sentar no computador e fazer um deseinho simples, pronto, cadê a complicação?

A ênfase da elaboração de um logo é mais complicada do que se pensa. É como um script: tem que seguir certos passos, para depois passar para o computador. A ideia básica vem do que você vai ver. Como será o logotipo? Vai ter formas geométricas? Linhas arrojadas ou arredondadas? Nome? Quais as combinações de cores que mais se adéquam? Antes de tudo, a empresa faz o que? É de qual ramo?

Vamos imaginar o desenvolvimento de um logo para uma construtora civil. É difícil imaginar um logo de uma construtora com fontes ultra-light não é? Ou serifada demais… A essência da inspiração de um logo vem exatamente da origem das coisas, do que é. Você não vai criar um logo de uma construtora inspirada em lojas de lingerie.

Quando você é um designer gráfico no interior, é difícil explicar sua profissão. O diálogo seguinte é bem comum:

- O que você faz?
- Sou designer gráfico.

Pausa.

- Designer gráfico?
- Isso! Faço outdoors, folhetos, logotipos, essas coisas.
- Ah tá.

Não há um impacto do que é ser designer. Do que é ser alguém que faz um outdoor que possui quatro cópias na cidade, que será visto por uma média de trinta mil pessoas todos os dias. E aquele folheto de supermercado que chega à casa de todos e mal sabe quem faz tudo aquilo? É esse impacto que ninguém vê. E o impacto do logo, aquele “selo de cinco minutos”: Quantos não veem aquilo por dia?

Quando se trata de design, principalmente pra quem está começando: A primeira coisa que vem na mente é o computador. Hoje em dia, todo mundo tem na família o irmão, primo, tio, papagaio, amante que manja naqueles programas gráficos. O sobrinho que fez o cartaz da padaria, o cartão do seu Jorge, o convite de aniversário da Júlia. Porém, eles não são designers, são pessoas que dominam softwares gráficos! Há uma enorme diferença aí. O computador para o designer é a ferramenta que finaliza o trabalho, que deixa a ideia bonita, que transforma letras em linhas com dégradé. É como na engenharia: Ver equações virarem eixos, PiR² virar discos estruturais, cotas darem sentido a uma barra de reforço. Depois de centenas de folhas rabiscadas, esboçadas, alguns trechos de livros lidos, poemas, histórias é hora de juntar tudo e criar uma essência, a filosofia do produto final. Depois com a ideia montada ou pré-montada, passamos para o computador e finalmente cumprimos com o briefing.

Em agências, um dos maiores problemas que o designer enfrenta é o tempo. O cliente liga na agência cinco e cinquenta e nove e quer o serviço para ontem. Aí você tem que se matar para fazer algo bonito, bem feito e com boa impressão, num tempo muito curto. A modo popular “o cara tem que ser ninja”. A empresa tem trezentos itens a ser discutidos, e quanto à identidade visual? A marca? Os folhetos e outdoors teaser que será publicado? Ah, deixa por último é dois pauzinhos no computador.

O gosto do designer dificilmente agrada o cliente. O profissional tem uma visão ampla da coisa. Ele sabe que aquela linha fica boa ali. Simples, questão de design, luxo, elegância. Mas o cliente quer a linha grossa, vermelha, que é para chamar atenção. Mas muitas vezes um braistorming envolvendo o cliente resolve 50% da situação. É colocado o lado designer x o lado cliente. Qual a real necessidade do cliente e qual a real necessidade de aplicar as ideias dele no contexto.

Apesar dos demais problemas, o mercado do design gráfico anda crescendo bastantes pelas bandas do interior. Muita gente talentosa está sendo descoberta, o valor do design está tendo sua medalha polida, e a dedicação dos futuros designers está sendo bem rígida.

E aí?

As pessoas veem documentários na TV de designers que mostram, eles na maioria sentados em frente a computadores ultramodernos, com mesas lindas, porta-lápis e folhas rabiscadas e acha que tudo aquilo é tão tranquilo como mostra na TV. Acabam achando que, naquele ambiente agradável, ela vai entrar e sair dali sorridente, sem levar problema para casa, que vai sair dali às seis horas todos os dias, que não vai atender telefone. As pessoas, os colegas de trabalho numa agência são parceiros, bons, legais na maioria dos casos, mas não é um mar de rosas, como visto na TV. Para ser um bom designer, tem que trabalhar duro, ralar muito, aguentar pressão forte de todos os lados, ter que montar um projeto inteiro para ontem, caso contrário a gráfica não vai poder imprimir tudo para sair no dia seguinte. Apesar dos estresses diários (que irão ocorrer!), das contraditórias e ideias negadas, ser designer não é bem a profissão para quem quer ganhar dinheiro rápido. É para quem gosta, para que tem disposição para enfrentar o que vir para vestir a camisa “Eu sou designer”. Não se ganha muito dinheiro sendo designer no Brasil, principalmente no início. Mas força, garra e persistência, pode te tornar um bom designer, com muito sucesso profissional e econômico também.

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Cartaz de Josef Müller-Brockmann

Atualmente, alguns designers contestam o uso de Grids pois o consideram restritivo demais.

Uma definição

Mas enfim, o que é um grid?

Um grid é uma malha construída com diversos retângulos, usada para ordenar elementos gráficos. Segundo Derek Birdsall (apud Tondreau),

Os grids são os elementos mais mal compreendidos e mal-utilizados no layout de páginas. Um grid é útil apenas se for derivado do conteúdo que ele pretende tratar.

Ou seja, só podemos partir para a criação de um grid após termos definido o tipo de projeto que estamos trabalhando. O grid sempre é construído após termos definido o conceito do trabalho, afinal, “o conteúdo determina a estrutura que o grid terá” (TONDREAU, 2009).

As maiores vantagens de se usar grids em um trabalho é a clareza, organização e facilidade de distinção entre as diferentes informações contidas no layout (tanto na hora de criação pelo designer, quanto pelo usuário que consegue navegar com uma facilidade muito maior pelo trabalho).

Partes de um grid

A imagem abaixo ilustra um exemplo de grid:

Margens: espaços negativos entre a borda da página e a área do conteúdo. As margens exercem grande influencia sobre o conceito trabalhado no projeto, e por isso seu tamanho deve ser muito em estudado. Podem servir tanto como área de descanso para os olhos, como para chamar a atenção para o conteúdo que elas enquadram.

Linhas de fluxo: alinhamentos horizontais no espaço. Não são linhas visíveis, mas são usadas para guiar o sentido de leitura do usuário pela página.

Zonas especiais: grupos de módulos que formam campos distintos. Esses campos servem para informações específicas do projeto (imagens, publicidade, etc).

Módulos: cada pequena unidade que compõe a malha. São espaçados uniformemente e permitem inúmeras possibilidades de composição.

Marcador: elementos que auxiliam na navegação pelo documento, como número de página, título de seção, etc.

Coluna: áreas verticais que contém texto ou imagens. As colunas podem ter o mesmo tamanho ou tamanhos variados, dependendo da informação que está sendo trabalhada e dos elementos gráficos a se dispor no layout.

Tipos de grids

Os tipos mais comuns de grid são:

Grid de uma coluna: geralmente usado em textos corridos como relatórios e livros. O foco nesse tipo de grid é o texto.

Grid de duas colunas: pode ser utilziado quando temos grande volume de texto e precisamos apresentar conteúdos diferentes. As colunas podem ser iguais ou diferentes, dependendo do contexto.

Grid de múltiplas colunas: usualmente aplicados em sites e revistas, permitem uma flexibildiade muito maios que os anteriores. Combina colunas de larguras iguais ou diferentes (geralmente larguras diferentes).

Grids modulares: permitem um controle mais refinado em trabalhos com grande número de informações, como jornais, calendários, etc. São compostos por uma combinação de colunas, que organizam o conteúdo em porções pequenas de espaço.

Grids hierárquicos: estrutura organizada em zonas de hierarquia, muitas vezes compostas por colunas horizontais.

E você, utiliza grids em seus trabalhos? Ou também os considera restritivos demais?

Referências Bibliográficas

CARUSONE, Antonio. The grid system. Disponível em: http://www.thegridsystem.org/. Acesso em 18 de abril de 2012.

SAMARA, Timothy. Elementos do design: guia de estilo gráfico. Tradução Edson Furmankiewkiewicz – Porto Alegre: Bookman, 2010.

TONDREAU, Beth. Criar Grids: 100 fundamentos de layout.Tradução Luciano Cardinali – São Paulo: Editora Blucher, 2009.

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O ano era 1939, início da Segunda Guerra Mundial. A Grã-Bretanha estava sendo ameaçada pela Alemanha de Hitler e uma invasão era iminente. O Ministério das Informações britânico então começou a produzir uma série de três cartazes com o intuito de aumentar a moral do público inglês.

Durante as primeiras semanas de guerra, dois cartazes foram produzidos e distribuídos por toda Grã-Bretanha: “A liberdade corre perigo. Defenda-a com todas as suas forças” (“Freedom Is In Peril. Defend It With All Your Might“) teve 400 mil cópias impressas, e “Sua coragem, sua alegria, sua resolução nos levará a vitória” (“Your Courage, Your Cheerfulness, Your Resolution Will Bring Us Victory“) teve 800 mil impressões. Os cartazes eram simples, com uma tipografia amigável e de fácil leitura, e continham o Selo Real (a coroa do então Rei George VI).

Muitos naquela época não estavam a par do terceiro cartaz, que teria sido distribuído caso a Alemanha conseguisse furar o cerco de proteção e efetivamente invadisse a Grã-Bretanha. O cartaz, com fundo vermelho e seguindo a mesma linguagem visual dos outros cartazes, tinha uma só mensagem. A mensagem tinha como objetivo assegurar a população de que tudo iria se resolver, de que o governo estaria ainda protegendo-os e que em breve tudo voltaria ao normal.

Essa mensagem era: “Mantenha a calma e siga em frente” – “Keep Calm and Carry On“.

Felizmente, o temido nunca ocorreu; a ilha sobreviveu ao blitzkrieg nazista e as várias tentativas de ocupação pela Alemanha de Hitler e o cartaz nunca viu a luz do dia. Pelo menos, até o ano de 2000.

Em 2000, 55 anos após o término da Guerra, uma das poucas cópias do pôster foi descoberto num sebo britânico ao norte da Inglaterra. A dona do sebo gostou tanto do cartaz que mandou emoldurá-lo. O cartaz fez sucesso na loja e logo os donos do sebo mandaram fazer re-impressões para seus clientes.

O cartaz tornou-se uma febre em pouco tempo e espalhou-se pela internet. Como que algo do século passado pode influenciar tanto nos dias de hoje? Talvez seja a simplicidade ou o design atemporal, mas provavelmente é devido a frase retratada, que até nos dias de hoje ela é reconfortante e inspira à confiança nas pessoas durante os tempos difíceis. “Mantenha a calma e siga em frente” representa uma necessidade atual.

E como não é de se espantar, logo começaram a surgir as paródias (como o cartaz “Now Panic and Freak Out“), chegando quase a obscurecer o original. O cartaz “Keep Calm” virou uma febre na época digital atual, e agora você já sabe por que.

Até eu entrei na brincadeira e fiz o meu!

Esse vídeo (no melhor sotaque britânico), explica um pouco mais sobre o surgimento do cartaz – além de fazer uma propaganda básica do sebo onde o primeiro exemplar foi encontrado, a Barter Books.

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Tudo começou com uma mãe americana, que ao procurar um profissional para tirar fotos do seu filho com Síndrome de Down, recebeu como resposta do fotógrafo “Não trabalho com crianças deficientes“. Foi o estopim para o surgimento da SpecialKids Photography.

A SpecialKids Photography tem como objetivo preencher uma lacuna na nossa sociedade: a falta de preparo profissional para lidar com crianças com necessidades especiais. Uma década se passou, e a SpecialKids chegou na America Latina através das mãos habilidosas do fotógrafo Rubens Vieira.

Ao utilizar a fotografia como instrumento de inclusão social temos a pretensão de mexer com a comunidade à nossa volta. De mostrar como podemos sim integrar indivíduos e plantar sementes valiosas de combate ao preconceito que sofrem nossas crianças.

“A fotografia como instrumento de inclusão” é o slogan do projeto, e o objetivo principal é de habilitar profissionais (não só da área de fotografia) para lidar com pessoas especiais. E você pode ajudar neste projeto que está se tornando referência nacional na área de inclusão social.

Foto por rubensvieira.com

Como posso ajudar e ser ajudado?

O Rubens Vieira, responsável pela SpecialKids Photography LA, entrou em contato comigo com uma proposta interessante e simples: desenvolver uma imagem para a capa da página do Facebook deles que esteja de acordo com o contexto do projeto.

O espaço da capa na página do projeto no Facebook será disponibilidade para receber, por uma semana, durante 12 semanas o trabalho de designers do país todo.

As imagens ficarão em destaque na capa da página

A intenção é fazer com que os profissionais de criação conheçam o projeto, e ao se envolverem com ele também conheçam o mundo que gira em torno da inclusão, um assunto importante e que não pode ficar de lado atualmente pra quem quer comunicar.

O projeto não possui fins lucrativos, apenas uma ideologia de inclusão social. O alcance visual é atualmente de mais de 5.000 pessoas (com um alcance compartilhado de 100.000) e entre essas pessoas estão empreendedores e formadores e tocadores de decisão do meio que estão de olho no que a SpecialKids movimenta e recomenda.

Qualquer designer poderá inscrever uma imagem para ser inclusa na capa. O trabalho aprovado ficará uma semana no topo da página do Facebook e depois entrará para o álbum, ficando disponível para visualização durante toda a iniciativa.

A imagem pode ter qualquer tipo de conteúdo, desde que seja relacionado com pelo menos uma das seguintes palavras-chave: especial, crianças, inclusão social, superação, sorriso, sucesso, informação. Vale trabalhos tipográficos, fotos, desenhos, projetos experimentais…solte sua criatividade!

Exemplo de trabalho

As regras de participação

• Cada designer pode inscrever até 5 (cinco) imagens para participar do projeto;
• A imagem só poderá conter fotos de terceiros se devidamente autorizado pelo autor e pelo retratado (ou pais, caso seja menor de idade);
• A imagem pode (e deve) conter uma assinatura do autor no canto superior direito da imagem. Esta imagem pode ser um link (ex: seuportfolio.com), endereço de Twitter (@fulano), Facebook (facebook.com/fulano) ou e-mail para contato;
• O participante concorda que o seu material possa ser utilizado como capa da página do Facebook da SpecialKids;
• O participante deve estar ciente de que seu material poderá ser usado como capa da timeline do Facebook de indivíduos que virem e gostarem do projeto (desde que a imagem não seja alterada de forma alguma);
• A SpecialKids não fará uso comercial do trabalho enviado, nem produzirá derivações do mesmo, assim como nõ será devida nenhuma forma de remuneração financeira sobre o trabalho;
• As imagens fora do padrão do Facebook serão redimensionados quando possível, podendo sofrer alterações na imagem final (portanto, envie no tamanho correto);
• O Design Blog e a SpecialKids Photography LA não se responsabilizam pela qualidade da imagem divulgada;
• Este concurso inicia-se no dia 16 de abril e pode ser finalizada a qualquer momento sem notificação prévia;
• A participação não irá necessariamente garantir a publicação de todos os trabalhos na página da SpecialKids.

Como participar

Crie uma imagem de 850 x 315 pixels com tema relacionado ao projeto – vale lembrar que você pode pesquisar mais sobre inclusão social de pessoas com necessidades especiais (isto vai ser um bônus pra sua carreira!). Procure adicionar uma assinatura pessoal discreta sua no canto superior direito da imagem – pode ser um link para seu portfólio, o endereço de alguma de sua rede social ou uma forma de contato.

Envie até cinco imagens para o email especial arroba design.blog.br e coloque na linha de assunto “Especial sim!“.

Seja um designer com responsabilidade social! Participe deste projeto e mostre o seu trabalho ao mundo!

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4) Prototipagem – Estando sempre preparado para ajustar e adaptar

Prototipagem é a antecipação de cenários possíveis ou soluções que melhoram significativamente ou exponencialmente uma solução de concepção específica. Em certos casos, envolve a construção de protótipos de estudos hipotéticos para determinar novas maneiras em que um projeto de design já existente pode ser ajustado para oferecer soluções melhores e mais abrangentes. O desenvolvimento de softwares online open-source, tais como Linux, Eclipse, Apache e Mozilla são exemplos de protótipos publicamente documentados. Esses protótipos não são convencionais, mas são exemplos funcionais de software destinados à ajuda e melhoramento contínuo da nossa maneira de acessar a internet e experiência com computadores. Cada versão futura do design/software é baseado nas bases do modelo anterior.

O método mais popular de prototipagem no mundo do web design é o Protótipo de Modelo Visual (conhecido também como “website mock-ups” ou “mock-ups de sites”). Ele capta o design estético pretendido através de uma simulação de cor e aparência da idéia proposta sem incluir nenhum aspecto de funcionalidade do produto final. Há fortes debates na comunidade de design sobre a sua utilidade real e muitas vezes foi chamado atenção aos web designers para que façam mock-ups na marcação correta (por exemplo, não fazer no Photoshop e sim em CSS). Parece que está havendo uma mudança gradual em direção do Protótipo de Modelo Funcional – uma tentativa prática de simular o design final através de uma adesão estrita à estética e funcionalidade. De qualquer forma, o protótipo é uma ferramenta útil na filosofia do design para melhor conceituar como as idéias existentes podem ser expandidas e aplicadas para resolver uma ampla gama de problemas.

5) Trendspotting* – Mantendo-se atualizado

Tendências são uma parte inseparável da filosofia do design contemporâneo. Eles definem a complexidade artística e técnica de uma indústria e determinam se seu negócio está a par com os últimos desenvolvimentos no mundo do design. Um elemento frequentemente negligenciado na filosofia do design, o objetivo do trendspotting* é fazer anotações mentais de vários estilos estéticos / técnicos no design enquanto eles são incorporados nos seus projetos de design.

Tendências servem como uma base incrível para se criar idéias paralelas (spin-off). Elas incentivam a consistência criativa permitindo ao mesmo tempo que designers forcem as fronteiras destes estilos predominantes, na esperança de conseguir um projeto que é único e amplamente usado. Um exemplo deste fenômeno é o aumento do uso de elementos desenhados à mão no design. Desenhos feitos à mão estão rapidamente se tornando uma característica integral estética de muitos sites – é uma tendência crescente que incentiva designers a explorarem a beleza e flexibilidade da ilustração à mão livre.

(* – Trendspotting é a habilidade de identificar novas tendências)

Conclusões finais – Filosofia é sua amiga

Como designers, muitas vezes estamos mais interessados em aplicar novas idéias de design ao nosso trabalho do que em estudar a natureza de existência destes conceitos e como eles podem ser aplicados de forma construtiva. A filosofia do design é sobre analizar a prática metodológica do design em vez do design em si mesmo. Ela exige uma reformulação de todo o fluxo de projeto de trabalho de maneiras que permitem aos designers utilizarem melhor os recursos à sua disposição.

Espero que gostaram deste artigo tanto quanto eu gostei. Dúvidas ou complementações? Deixe um comentário.

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1) Pesquisa – A exploração completa do contexto do projeto

A pesquisa possuem uma similaridade com o processo de brainstorming mas com duas diferenças básicas. O brainstorming permite flexibilidade e um pensamento versátil – idéias aleatórias são geradas em rápida sucessão, com ênfase na quantidade e não qualidade. Ele também ajuda na criação de novos conceitos, em vez de um refinamento de idéias existentes.

A pesquisa, no entanto, é uma abordagem mais calculada, ideal para explorar o contexto de um problema de design. Envolve a análise cuidadosa do problema, pesando as limitação de um projeto particular. As restrições no design são os principais objetivos funcionais que o projeto em questão deve alcançar (o que poderia ser, obviamente, relacionados a demandas específicas de um cliente). Eles podem ser divididos em restrições negociáveis e não-negociáveis.

Por exemplo, ao projetar uma cadeira, haverá um conjunto específico de restrições que um designer teria que enfrentar. Em primeiro lugar, a cadeira precisa suportar determinada carga (peso) para satisfazer seus requisitos funcionais básicos (uma cadeira que quebra sobre a aplicação de um peso mínimo não é uma cadeira!). A “restrição de peso” de uma cadeira é inegociável, pois sem ele o projeto deixaria de ser funcional, não podendo assim fornecer uma solução adequada ao problema em mãos.

As restrições negociáveis na construção desta cadeira seriam itens que podem ser completamente modificados. Entre as restrições negociáveis estão o material usado, sua cor, o tipo de acabamento da madeira e outras qualidades estéticas intrínsecas, enfim, tudo que pode ser ajustado.

No caso de sites, essas restrições são categoricamente divididas em forma e função. Forma refere-se às qualidades estéticas de um site, que incluem seus elementos tipográficos, estrutura do layout e outros elementos visuais que compões as limitações negociáveis. As não-negociáveis no web design abordam o modo como um site funciona e como ele atende aos seus objetivos – a função. Se você está projetando um portfólio pessoal, o site deve estar equipado com algum tipo de galeria para mostrar seu trabalho; é uma restrição não-negociável que não pode ser negligenciada.

A pesquisa no design envolve uma “manipulação experimental” inteligente destas variáveis para satisfazer as restrições não-negociáveis e capitalizar inteiramente as negociáveis. A interação de um designer com as restrições de um projeto acontecem bem antes do próprio processo de design, durante sua fase de planejamento preliminar.

2) Redefinição – Moldando seu plano proposto do projeto

Uma vez identificado o problema do projeto e observado suas restrições negociáveis e não-negociáveis, é fundamental aprofundar as informações / especificações da solução do projeto para garantir que o conceito do design é adequado aos padrões e especificações da indústria. No mundo do web design, muitas vezes aderimos aos mark-ups limpos, lógicos e concisos e uma clara separação de estilo do conteúdo através do CSS. Estes são os padrões estabelecidos da indústria que deverão ser cumpridas antes do site ser considerado totalmente funcional e interoperável em vários navegadores.

A fase de redefinição no entanto nunca deve resultar em uma mudança drástica dos objetivos principais de um site, pois é um processo que visa transformar uma idéia do projeto em uma solução mais prática, aplicável e “industry-friendly“ (dentro dos padrões da indústria) ao problema apresentado. A velocidade, manutenção e acessibilidade de um site são muito dependentes de como uma idéia de um projeto é redefinida.

3) Gestão – Garantindo a continuidade

Bons conceitos de design (especialmente no caso de sites), muitas vezes resistem ao teste do tempo – eles permanecem na moda e são funcionalmente confiáveis, mesmo em períodos de progresso técnico / estético elevado. O Google é talvez um dos maiores exemplos de como um projeto pode manter uma continuidade ao longo do tempo. Eles tem mantido um layout visual coerente e efetivo com o passar de mais de 10 anos. O logotipo do Google também evoluiu levemente para refletir o uso maior de white space (o espaço em branco) – uma tendência do design contemporâneo que garante a legibilidade de um site. A continuidade de um projeto só pode ser verificado através da gestão adequada de como um design se desenvolve e amadurece ao longo dos anos.

Um aspecto central da gestão do design está na capacidade de re-design. Não é incomum sites sofrerem diversas mudanças no espaço de 5 a 8 anos (veja o caso do Design Blog!). Redesenhar, entretanto, não se refere a revisões drásticas, mas upgrades graduais do aspecto estético de um site e como ele funciona (popularmente definido como “realinhamento”). Para gerenciar um projeto, deve se adotar uma sensibilidade aguçada para tecnologias atualizadas e novas metodologias do design. Ter a habilidade de atualizar o sistema de gerenciamento de conteúdo (CMS – Content Managment System) de um site afim de providenciar mais funcionalidades (como um catálogo detalhado e compreensível de artigos de um blog) é um bom exemplo de gestão de design eficiente. O objetivo final, porém, é garantir que o design do site degrade graciosamente ao longo do tempo, sem parecer incoerente ou fora de sincronia com as minúcias do design moderno.

No próximo artigo, vamos falar sobre os 2 sub-componentes finais e concluir nossa série de artigos sobre “Filosofia e Design”. Fique ligado!

Leia aqui a parte 3

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Como profissionais da área de criação, estamos em uma jornada perpétua para achar meios e caminhos para melhorar nosso conhecimento da indústria do design. Um campo que demanda novas idéias que sejam práticas, originais e impressionantes. Mais do que nunca, damos atenção exclusiva a especificidades tradicionais dentro de algum campo do design, tais como princípios e tendências estéticas, elementos tipográficos e várias outras funcionalidades. Embora estas facetas do processo do design sejam inegávelmente cruciais, está na hora dos designers darem um passo para trás para entenderem e absorverem inteiramente a estrutura do processo de design e sua subsequente aplicação na indústria.

Neste artigo, vou explorar os conceitos introdutórios que envolvem uma compreensão do design de um ponto de vista filosófico. Ou, para ser mais específico, como que podemos notar o design à nossa volta e aplicar ele a nossos experimentos pessoais e comerciais. De uma maneira, a filosofia no design é sobre o desenvolvimento de uma compreensão de como o design funciona dentro dos confins do dia-a-dia.

Sufocando o medo – filosofia não é algo complicado

O termo “filosofia” gera muitas vezes um certo desconforto a muitos profissionais dentro da indústria criativa, um sentimento que eu também compartilho. Há uma tendência geral de associar filosofia com a noção de uma complexidade desnecessária e abstracionismo. Isto, no entanto, é uma avaliação incorreta da filosofia.

Irônicamente, filosofia é sobre retornar aos básicos fundamentais de um assunto (no caso, o design). Na verdade, a filosofia no design esforça-se para examinar o projeto em seu estado mais puro, sem noções preconcebidas ou subjetividades.

Explicando a semântica: o que significa “filosofia do design”?

É de vital importância estabelecer primeiro uma definição estável do que a filosofia do design realmente é. A interpretação mais comum da filosofia do design, pelo menos dentro do web design, diz respeito á abordagem do design. Isto inclui os suspeitos tradicionais como o “minimalismo” e “design orientado ao usuário” (“user-oriented design”). No entanto, estas definições são específicas demais para o propósito deste artigo. Eu adotei um conceito mais generalizado da filosofia do design.

A filosofia do design é uma exanimação do planejamento estrutural envolvido na criação de qualquer objeto / arte que possui uma função particular dentro dos domínios da nossa vida quotidiana.

No mais amplo de generalizações, o planejamento estrutural de um projeto refere-se à identificação de problemas no design e a elaboração de propostas de soluções funcionais para estes problemas, de uma forma que seja mais eficiente para os objetivos do projeto.

Existem 5 sub-componentes centrais na filosofia do design – pesquisa, redefinição, gestão, prototipagem e trend spotting. Vou dar uma definição de cada área para apresentar a você uma compreensão mais holística de como a filosofia do design opera dentro da indústria do web design no próximo artigo. Fique ligado!

Leia aqui a parte 2

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Gostaria de uma ajuda pois estou com dificuldade em entender uma questão que minha professora lançou na aula sobre cor: Ela passou o filme Cisne Negro (Black Swan) e o piloto da série brasileira 3% e disse que esses dois utilizam a cor como uma pratica comum do design. Qual é essa prática?

Antes de responder essa pergunta, eu vou fazer outra pergunta: o que as cenas destes três filmes abaixo tem em comum?

O Chamado

Jogos Mortais

A Hora do Pesadelo

Se você respondeu “São todos filmes de terror“, você é um cinéfilo ávido. Já se você respondeu “Todos tem um tom de azul“, você é um designer que presta atenção nos detalhes. As duas respostas estão certas.

Veja outro exemplo, desta vez de filmes pós-apocalípticos. Note os tons de cinza e as cores lavadas das cenas:

Essa prática é comum entre cineastas do mundo todo. Filmes no deserto tem um aspecto amarelado, filmes de época geralmente possuem um tom de sépia, realidades que não são realidades são verdes (veja por exemplo, o caso do filme Matrix – ou como é conhecido: “o filme mais verde da história”).

Isso chama-se “correção digital de cor” (ou “digital color correction” em inglês). Antigamente, se você queria que seu filme tivesse uma paleta de cores artística e estilosa, você tinha que passar por um processo doloroso de usar filtros na camera, luzes especiais ou ter a imagem exposta de um jeito específico. Era um processo caro, difícil e limitado a pessoas que realmente sabiam o que estavam fazendo.

Hoje em dia, com alguns cliques do mouse é possível ambientar o filme todo de outra forma. Em conjunto com o áudio, a cor é o que define a sensação que o filme deve passar.

Essa mesma prática pode ser adequada ao design, assim como qualquer profissão que lide com imagens. Através das cores você pode passar uma sensação determinada – veja por exemplo os logos de restaurantes de fast-food: todos tem um tom amarelo e vermelho pois são cores que nos abrem o apetite.

A próxima vez que você assistir algum filme, note o tom de cores das cenas. Veja como muda de filme pra filme (e muitas vezes, pode até mudar de uma cena pra outra).

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British Petroleum – BP

O logo antigo e o novo, respectivamente

Em 2000, a empresa de petróleo e energia BP revelou seu novo logo, abandonando o escudo e adotando um logo mais “verde” e “ecologicamente correto”.

A mudança custou US$ 7 milhões aos cofres da BP, com mais dezenas de milhões de dólares gastos com a divulgação da nova marca. Ambientalistas acusaram a empresa de gastarem mais com o novo logo do que com pesquisa em energia renovável.

Não foi até 10 anos mais tarde quando o logo virou uma arma contra a empresa, quando houve o escândalo do vazamento de petróleo no Golfo do México. A imagem de ser “verde” e “ecologicamente correto” foi destruída.

Um “novo logo” foi adotado por muitos depois; provavelmente, não foi o que a BP esperava.

O logo que não era pra ser

Blackwater

Marca e nome antigo, logo novo (respectivamente)

Envolvidos em escândalos no Iraque, a empresa de segurança militar privada americana sentiu a necessidade de passar por um redesign para tentar se salvar da opinião pública. Não deu muito certo: a empresa mudou de nome para “Xe” (e posteriormente para “Academi”) – um nome sem sentido algum – e escolheu um logo que fez com que parecesse uma empresa do ramo da Xerox.

Por sorte, o novo nome e logo duraram apenas 2 anos – infelizmente, o novo nome e logo ainda não fazem sentido para uma empresa de segurança militar.

Mas que ...?

Animal Planet

O logo antigo não era totalmente terrível. Talvez um pouco mal executado, mas tinha um animal (o elefante), tinha um planet (a Terra) e o nome pra deixar o mais claro possível. Verde com branco, perfeito para o objetivo do canal de TV.

Já o novo logo, com os tons diferentes de verde e aquele “M” deitado sem sentido algum, faz parecer que algum micreiro ou sobrinho do dono da TV que criou essa aberração.

WGN America

Esse outro canal de TV já não tinha um logo muito interessante. O que levou eles a mudarem para esta outra opção? Estou tão sem palavras que vou parar o artigo por aqui e ir arrancar meus olhos fora.

Moral da história: pense bem antes de querer redesenhar um logo.

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